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第03期2019年《流行色》总第392期

作者：国奖来源：本站原创发布时间：2019年04月26日点击数：

中国画墨色探究

屈劼（河西学院美术学院，甘肃张掖 734000）

摘要：作为我国传统的绘画类型，中国画是一种较为独特的艺术表现方式，深刻影响着现代绘画艺术。其凭借着独有的艺术表现形式及绘画风格，艺术成就颇丰。通过传承与创新，中国画发展成为了我国独有的优秀艺术文化，并登入世界文化之巅，被世人所推崇。就中国画而言，其为处于水墨与色彩间的一种艺术表现，其重点在于如何巧妙地融合西方色彩观与传统墨与色。其在创作过程中，色彩及所采用的笔墨之间关系密切，墨色观念十分独特。鉴于此，本文研究以中国画墨色为切入点，重点分析了其表现力特征及实际运用，并剖析了重墨而轻色的合理性及其流弊，以此来更好地指导实践。

关键词：中国画；墨色；特征；运用

中国绘画历史较为悠久，若从美术历史层面予以区分，民国之前的作品均叫做古画。古代，国画也称之为丹青，起源于汉朝，借助毛笔蘸墨汁、水在纸、绸带上进行绘画，这便是中国画。为了同西方水彩画进行区分，其也叫做“国画”。不同于西画，中国画主要运用了独特的“墨”。《庄子·田子方篇》中最先提到“纸笔和墨”，这反映了春秋战国时代便已经开始使用墨水与毛笔。中国传统画能够得以如此成就，主要是得力于墨，墨与水交相汇融，缺一不可，在纸上由水加墨，创设出焦、浓、重、淡、清丰富的墨色变化，实现物象独有的语言及艺术表现方式。中国水墨画选取黑白色，蕴含着儒家晴朗和谐的色彩特征及道家本体论色彩观念。因此，对中国画的墨色予以深入研究，对于学习与认识中国画具有重大的现实意义。

一、中国画墨色表现力的特征

1.墨色的装饰性表现

对于中国画而言，墨色发挥着装饰性的作用，能够对整个画面予以巧妙地装饰，从而产生一定的美感^[1]。在绘画创作时，绘画人员应积极结合自身艺术经验，精心加工与创作自然色彩，主要方式是细致地观察创作对象，从而能够自然地予以呈现，再配以墨色进行装饰，从而使得整个画面的美感更加充盈，装饰效果明显。画面的装饰美感则寄托了主观审美，在一定程度上呈现了对墨色审美的意识及观念。绘画者则将自身艺术创作经验同墨色运用相结合，向画作欣赏人员表露出直观的情感，这便要求创作者具有较强的表现力，并重点凸显出画作的色彩搭配。

2.墨色的象征性表现

墨色象征性意义则是借助人们的视觉感受予以传递的，以这一传递媒介，象征意义能够得到充分表达。画作欣赏者能够通过淡墨体会到透明、清爽之感，通过浓墨感受到华润浑厚的感受，透过焦墨触摸体会到苍凉之感，另外体会到暖色调的温暖、冷色调的神秘之感。在运用过程中，墨色变幻无穷，且各个墨色之间密切联系、相互作用，所想表现出来的意象也需要通过互相配合予以呈现。绘画作品的表现力主要是通过各种墨色之间的相互配合予以呈现，促使画面表现力更丰富，作者同欣赏者之间的情感交流更加畅通。丰富的墨色表现中蕴含着深厚的哲学意义。

3.墨色的情感表现

直白描述简单的事物并不能叫做墨色，墨色是绘画者对某一事物情感的呈现，巧妙地描绘与还原事物。对于墨色情感而言，绘画者并不是单一的，其会随着时间、环境与地点的变化而出现变化。对于中国画的创作，绘画者应以当时的情感及对事物的感受为创造切入点，提炼与加工事物，以墨色为途径传递情感。绘画者以作品为切入点，综合展现自己的审美情感及创造思维，借助墨色提炼与释放对生活与自然的美好愿景。

二、中国画墨色的实际运用

1.利用墨色调和其他色彩

以色彩为切入点，墨实质上是色的一种，在中国画创作中发挥着不可替代的作用^[2]。在众多色彩中，黑白是两个极端的颜色，对比性强，视觉冲击强烈。对于中国画而言，用黑墨在白纸上进行创作，鲜明对比黑白两色，且二者交相辉映，给欣赏者不同的视觉冲击。相比于其他色彩来讲，墨色均是能够调和的。例如，对于中国山水画而言，无论是借助红色点来代表秋色，还是用绿色点代表春色，以此看来真正实现和谐。纵观各种中国画，人们常常用俗气、浮艳、火气予以形容。其俗气则是绘画者不敢大胆使用颜色，其色彩搭配令人十分失望；火气则是由于色燥使得纯度逐渐提高；浮艳则往往因色彩过于艳丽而不具有稳重性。借助墨便能够巧妙地补充绘画用色的不足之处。例如，绘画者可灵活运用变色法，采用墨点代表绿色，用墨勾来表现黄色的花蕊。无论是粉花黄蕊，还是黄花黄蕊，均难以彰显出蕊的形象，使得整个花朵都失去了精神气。采用“变色法”，使用重墨将花蕊予以巧妙地勾勒，从而充分突出蕊，给人印象深刻。其次，可将色彩的纯度予以降低，来弥补用色不佳的地方。将墨色巧妙地加入，不仅可强化整个画面的柔和度，而且还能够有效增加分量。例如，在绘画人物衣服的上色部分，假设只是采用纯颜色，则过于鲜明，如果使用少量的墨色，则会对这一违和感予以有效缓解，使整个色彩统一，画面更加和谐。

2.利用墨色缓冲其他色彩的对比

无论是山水画、花鸟画，还是人物画，在创作过程中必须确保各个色彩之间的协调性与统一性^[3]。例如，为了创作出优秀的中国画，不得只是凸显出某一种固定的颜色，而是应选取一个颜色作为主色调，并整体布局各个颜色，以此来达到最佳的色彩感。如果绘画者忽视色调的搭配，从而使得整个画面出现“怯”“乱”“花”的问题，彰显不出画的主题。

红绿、黄紫、兰橙均属于补色，若大小面积差异较小，难免不具有俗气感。如果使用墨色巧妙地隔开两个颜色，以此来有效协调整个画面颜色。其次，墨并不是墨色那么简单，同其他黑颜料性质相比来讲，墨同水相融合，变化多样，表现力丰富。一般墨的变化较为细腻、沉稳，颇具光泽，极易同其他色彩融合，十分生动，并不那么刻板，这便是墨的巧妙之处。对于中国画而言，对于形体的素材一般采用墨，然后物象形体色彩则可适当地加入颜色进行描绘，墨色互相衬托，从而充分发挥着应有的效力。假如，中国画只是借助色彩开展绘画，则会给人一种俗气、火气、浮艳之感，难以彰显出中国画自身语言韵味。所以，对于中国画来讲，墨色是难以分割的，应对墨予以巧妙地融合，才能够有效地提升中国画审美境界，充分彰显出物象^[4]。

三、“重墨而轻色”的合理性及其流弊

就中国画笔墨精神而言，其属于文人画能够实现的最高境界，且大部分画家也是诗人，通常是诗中有画，画中有诗。同时，文人画主要展现出文人的观念和情感，寄兴、畅神以及抒情，大多数是通过寓意的方式来对自身的志向以及意趣予以表达。但是，文人画一般重墨轻色，重潇洒洗练，轻繁缛纤细，重天真幽淡，轻富丽工艳，将重点放在画面的传承性上，会导致自我风格丢失，并以此来对个人的抱负与“性灵”予以抒发，重视笔墨神韵和情绪，看重文字以及书面修养对画面之间的巧妙融合。揭示品格和画品的高低，以此来蕴藏画家的情感以及精神，上述种种均和中国文人画相符合，在画家那个时代存在着极其重大的影响，顾恺之的以形写神属于文人画最早的形态。在南宋阶段，文人画如雨后春笋般涌现，脱离了院体画的写实性以及工整性。文人画重笔墨轻色彩的主要原因在于，受传统绘画艺术观念以及审美观念的影响，传统绘画并非将真实事物予以再现当成是创作目的，而是追求事物内在神韵，进而出现了民族特有的一种美学思想。任何事物都是两面性的，多元性以及多样性是艺术的基本特点。其次，文人画不仅存在着创造性以及风格独特的特征，大部分画家在技艺方面十分普通，但成为了社会主流，并不在“艺”，而是在“意”，将“继承”作为主要艺术发展，不具备自身对艺术的认识与观念，基本上都是千篇一律。再加上重“意”不重“形”，其存在的不足使绘画过程逐渐演变成以笔墨技法为主，在表现对象方面较为单一，仅仅是结合前人的思想前进。

就中国画的发展而言，除了包含“笔墨当随时代”“笔墨精神”之外，还存在着“笔墨等于零”等。对此，研究传统中国画在墨色方面的意义极其关键。传统笔墨精神主要指的是传统民族文化精神，分析中国人为何将毛笔与墨作为工具，来开展艺术创作。之后，文人画的产生与发展让水墨演变为了中国画的象征语言。艺术发展到今天，应回归传统抑或是结合中西方，还是直接西化，水墨画是否以墨色形式为主，均需要我们深入地去探索。

结语

综上所述，中国画具有独具特色的墨色理念，充分彰显着中华民族在历史长河中所积累的创作智慧^[7]。通过历史的发展，中国画艺术创作不断创新，呈现出多样化的艺术表现力。在创作过程中，中国画所表现的艺术特征主要为装饰性、象征性与情感性，能够充分地表现出艺术创作中所具有的语言形态，发挥着独有的艺术表现水平。在绘画创造中，墨色是主要的视觉载体，能够多样性创作墨色来彰显出中国画独特的艺术表现力，强化其所表达的视觉能力。

参考文献：

[1] 尹星.墨韵——中国画墨色美学审美之道[J].美与时代（下），2017（12）：65-67.

[2] 贠征.浅析中国画之墨色观及语言形态[J].美术教育研究，2015（2）：24-24.

[3] 张敏.探析中国画之墨色观及语言形态[J].现代装饰（理论），2015（8）：202-203.

[4] 迟金玲.在国画中感受墨色美和意境美[J].教育家，2016（4）：147

[5] 刘春厚.浅谈中国画的墨色观和语言形态[J].中国民族博览，2016（12）：172—173.

[6] 贝妍菁.通过探索中国画的墨色运用将现代平面设计印上“中国创造”的标签[J].明日风尚，2017（23）：2—2.

[7] 朱文颖.墨色之上的斑斓——关于徐惠泉墨彩人物画的重新定义[J].作家，2014（7）：24—32.

作者简介：屈劼（1990.7—），男，甘肃张掖人，硕士，助教，研究方向：中国画。